‘Becoming Led Zeppelin’, la legendaria banda de rock estrenará documental oficial

‘Becoming Led Zeppelin’, la legendaria banda de rock estrenará documental oficial

‘Becoming Led Zeppelin’ por fin será una realidad y se estrenará en cines este 2024 gracias a la compañía Sony Classics Pictures, quienes han rescatado y apostado por este proyecto después de varias trabas en años anteriores. La película/documental se viene...#Expresion-Sonora.com #Sonora
Tomado de https://warp.la/

Imágenes y Ruidos es la nueva sección de WARP en la que exploraremos el vínculo entre el Cine y la Música a través de análisis, anécdotas y datos. En esta entrega: destacamos diversos compositores de bandas sonoras que han dejado un extenso e interminable legado.

Es difícil imaginar cómo serían las obras más significativas del cine sin las bandas sonoras que las acompañan. ¿Habrían sido tan aclamadas? ¿Serían las obras notables y respetadas que se conocen? La respuesta corta es que probablemente no. El uso de la música en el cine puede ser primordial para el producto final y, en algunos casos, puede ser incluso más memorable que los aspectos visuales.

Existen títulos de películas en las que irremediablemente pensamos y al mismo tiempo escuchamos, sin duda la resonancia de la música en el cine es sumamente poderosa. Algunas podrían ser: Lawrence de Ara­bia (Maurice Jarre), El Rey León, Gladiador, Interestelar (Hans Zimmer), La pantera rosa (Henry Mancini), El bue­no, el feo y el malo (Ennio Morricone), El Padrino (Nino Rota), Memorias de África (John Ba­rry), Jurassic Park (Michael Giacchino), La misión (Ennio Morri­co­ne), Cinema Paradiso (Ennio y An­drea Morricone) o Amélie (Yann Tiersen), bandas sonoras que incluso han formado par­te importante de nuestras vidas.

La premisa principal de las bandas sonoras, quizá se centre en crear un viaje emocional a través de los diversos universos cinematográficos que nos han cautivado y emocionado a lo largo de los años. Poniendo con Zimmer un gran ejemplo, desde “El Rey León” hasta la atmósfera electrizante de “Origen”, pasando por los poderosos ritmos de “Gladiator” y los apasionados solos de violín de “Sherlock Holmes”, o el eco del desierto de Arrakis que nos transporta a “Dune”.

A lo largo de los años, ha habido numerosas partituras que evocan una conexión emocional tan fuerte que se han convertido en iconos culturales. Pensemos, por ejemplo, en Tiburón , de Spielberg, la película que hizo que la gente tuviera pavor a meterse en el océano, o en cualquier masa de agua, al imaginar a un tiburón deslizándose por las oscuras profundidades. El “James Bond Theme” de John Barry es otro ejemplo clásico. Es un arreglo que puede hacer que cualquiera se sienta como un agente secreto, enfundado en un esmoquin con un arma oculta y un supercoche, sólo con oír ese trino orquestal.

Cinema Paradiso, al fundirse en ese guion con Ennio Morricone quien llegó a convertirse en uno de los compositores más populares de la historia del cine; naciendo de él le convirtió en uno de los más influyentes de nuestra época, marcando a muchas generaciones. El ganador de dos Oscar, fallecido en Roma en el 2020 a los 91 años, fue un compositor y arreglista de música que ayudó a definir tal cual cómo suena ir al cine, cómo suena el cine.

A los 11 años, empezó a actuar en espectáculos de variedades y a sustituir a su padre cuando éste no estaba en condiciones de tocar. La película recorre su evolución pre-cinematográfica de joven, tocando la trompeta en el conservatorio, orquestas de cine, bandas militares, espectáculos de variedades y conjuntos experimentales como el Grupo de Improvisación Nuova Consonanza, especializado en “sonidos traumáticos”.

El empleo por Morricone de lo experimental como medio para “redimir” lo accesible caracterizaría gran parte de la música que haría en el medio siglo siguiente. Pero también se hizo famoso por su artesanía compositiva y su inventiva: su habilidad para adornar una canción pop con inesperados hilos de contrapunto.

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